Эпоха Возрождения   Leave a comment


Эпоха Возрождения — это одна из величайших культурно – исторических эпох, которая начинается с конца XIV века и длится до XVII века: это расцвет культуры и искусства всего человечества. В это время совершаются далёкие путешествия по морям — началась эпоха Великих географических открытий. Путешественники из далёких стран, ранее не известных, привозили много нового и диковинного для европейцев. Кругозор средневекового человека стал обогащаться новыми знаниями.

В это время были вырыты из развалин Древнего Рима античные статуи, были прочитаны рукописи Византийской империи: перед изумлённым Западом предстал новый мир – греческая древность с изображением людей, прославляющим красоту человеческого тела. Люди средневековья увидели светлые, чистые и красивые образы людей: в их движениях и жестах скульпторы античности передавали стремление человека к прекрасному и возвышенному миру.

Это привело к тому, что во всех областях человеческой жизни того периода наметился подъём в развитии. Стали возрождаться ранее исчезнувшие и забытые достижения науки и культуры. Поэтому XIV — XVI века в истории Европы называются эпохой Возрождения. В Германии эта эпоха получила название — Реформация, во Франции — Ренессанс, в Италии — Чинквеченто.

Идейное содержание культуры Возрождения, выразившееся в научных, литературных, художественных, философских, педагогических взглядах, обычно  обозначается термином «гуманизм» — «человеческий». Уже в XV веке деятели Возрождения употребляли этот термин, который обозначал образованность, и притом светскую, что противопоставлялось светской науке. А сам термин «Возрождение» часто употреблялся в смысле возрождения античной культуры после долгого её забвения.

Основным признаком культуры Возрождения является её светский характер в противоположность церковно-феодальной культуре, господствовавшей в предшествующий период средневековья.

В отличие от феодального искусства, носившего церковный характер, искусство Возрождения было проникнуто светским духом. Для богачей возводились просторные, изящные и удобные дворцы, украшенные по образцам античного искусства. Даже религиозному искусству художники и архитекторы эпохи Возрождения умели придать светский характер. Картины, написанные на религиозные темы, изображали живых людей, часто в костюмах XIV — XV веков на фоне деревенских зданий и красивых пейзажей.

В картинах эпохи Возрождения человек всегда составляет центр композиции; весь мир строится вокруг него и для него; и именно он является главным героем драматического повествования.

Представителями Раннего Возрождения считаются — Ганс Мемлинг, Ян Ван Эйк,  Питер Брейгель Старший – это одни из первых художников, которые стали создавать картины в «светском стиле».

ГАНС МЕМЛИНГ (1440 — 1494)– это нидерландский живописец эпохи Возрождения, в работах

Ганс Мемлинг. Мадонна с Младенцем. Левая часть двустворчатого Алтаря ван Ньювенхове. 1487 г. Госпиталь Святого Иоанна (музей Ганса Мемлинга), Брюгге

которого сочетание позднеготического искусства и искусства эпохи Раннего Возрождения. Практически все его картины, в том числе и одна из известнейших его картин, которая представлена вниманию посетителей – «Мадонна с младенцем»/ «Богоматерь с донатором Мартином Ван Ньивенхове», написанная в 1487 году (часть диптиха, музей Г. Мемлинга, Брюгге), писались на религиозные сцены на фоне интерьеров и пейзажей. Основное внимание он всегда уделяет изображению первого плана: его Мадонна лирична, у неё мягкий созерцательный взгляд. Мемлинг до мельчайших подробностей, тщательно воссоздаёт облик Мадонны и доходит в её изображении до того, что она кажется, чересчур, идеальной. Его работы отличаются удлинённостью и грациозностью фигур, изяществом линейных ритмов, светской праздничностью колорита, основанного на мягких контрастных красных, синих, блекло-зелёных и коричневых тонов. А его портретные работы, выделяются точностью и строгостью воссоздания облика модели.

 ЯН ВАН ЭЙК (1390 — 1441) – является одним из родоначальников искусства Раннего Возрождения в Нидерландах. Решение поставленных Ван Эйком творческих проблем требовало разработки новых художественных средств. Он один из первых освоил возможности масляной живописи, используя тонкие прозрачные слои красок, положенные один поверх другого (т. н. фламандская манера многослойного прозрачного письма). Этот метод позволил художнику достигнуть глубины, богатства  и светосилы цвета. Живописные открытия Ван Эйка сыграли важную роль в истории мировой живописи.

Ван Эйк явился одним из первых крупных мастеров портретной живописи в Европе: при нём портрет выделился в самостоятельный жанр. Портреты Ван Эйка отличаются своей строгой простотой и отточенностью средств; он тщательно передаёт черты человека и при этом раскрывает главные особенности его характера.

Картина «Мадонна в церкви» (1420 — 1426), образ  Мадонны таит в себе осознание достоинства и

Ян Ван Эйк. Мадонна в церкви. Ок. 1425 г. Государственный музей, Берлин.

ценности человека. Всё, изображённое на картине, красиво,  – каждый предмет красив и по–своему особен. Детали и целое находятся в органической взаимосвязи: архитектурные детали, предметы обстановки, драгоценные камни и ткани, украшающие одежду богоматери и фигуру младенца, как бы воплощают в себе частицу бесконечной красоты мироздания.

Творчество Ван Эйка  определило пути дальнейшего развития нидерландской живописи. Мощное воздействие искусства Ван Эйка испытали не только нидерландские, но и итальянские мастера эпохи Возрождения.

Следующий представитель эпохи Раннего Возрождения в Нидерландах — ПИТЕР БРЕЙГЕЛЬ СТАРШИЙ (1525/30 – 1569). Родился близ голландского города Гердогенбос (к востоку от Антверпена) в одной из деревень, носящих название Брейгель.

Брейгель, оставаясь равнодушным к современному ему романтическому искусству, выступает продолжателем национальных  нидерландских традиций: он глава демократического направления в искусстве Нидерландов XVI века.

В 1551 г. Брейгель был принят в гильдию художников Антверпена. Вскоре после этого он предпринимает поездку во Францию и Италию. Однако итальянские впечатления (обычно наиболее сильные у художников) в этой поездке не были решающими. В гораздо большей степени внимание Брейгеля привлекли горные альпийские виды. Он делает многочисленные зарисовки и в последствии не раз обращается к мотивам горных цепей и долин.

В его картинах события разворачиваются на фоне пейзажей с бескрайними просторами равнин, речных долин, холмов и перелесков.

Тематика рисунков и гравюр Брейгеля, а также его картин исключительно широка. Он пишет пейзажи, жанровые сцены, картины религиозного содержания. Почти все они посвящены жизни народа, быту крестьян и горожан

Пример тому, одна из последних его работ, картина «Путь на Голгофу» (1564). В данной картине обобщающий,  «энциклопедический» охват явлений побуждает его обозревать мир как бы с высоты. Он избирает высокую точку зрения, приподнимает линию горизонта и увеличивает тем самым пространство, на котором располагается множество динамичных фигур людей и всевозможных жанровых сценок.

Брейгеля интересует не отдельная личность, а судьба народа. Главный герой произведений художника – постоянно движущаяся народная масса. Он создаёт (в несколько условной, гротескной форме) широкую панораму жизни народа, изображая его труд и быт, тяжёлые народные бедствия.

Отмеченное исключительной широтой и глубиной охвата  жизненных явлений, ярко реалистическое и демократическое творчество Брейгеля оказало огромное влияние на  нидерландское искусство и заложило основы реалистического направления в искусстве Голландии и Фландрии XVII  века. Брейгель умер 5 сентября 1569. Его сыновья: Питер Брейгель Младший, по прозвищу «Адский», и Ян Брейгель Старший, по прозвищу «Бархатный», были известными живописцами.

Среди представителей итальянской живописи выделим: ЛУКА СИНЬОРЕЛЛИ (1445/50 — 1523) – итальянский живописец эпохи Возрождения. В его творчестве прослеживается сильное влияние Пьетро Перуджино. Практически все работы Синьорелли выполнены на библейские сюжеты. Картина «Завещание и смерть Моисея» написана на один из библейских сюжетов. Данную картину, как и всё творчество Синьорелли отличает сложность выбранных ракурсов, умение показать пластику человеческого тела. В его работах изображаемые люди мужественны. При этом на картине «Завещание и смерть Моисея» художник показал несколько сюжетов, связанных между собой: на первом плане автор показывает людей во всём своём многообразии, ждущих от Моисея последнего слова (завещания); на втором плане показаны сцены последних дней жизни Моисея —  Моисей выходит из пещеры, а за ним уже по пятам идёт смерть, ангел парит над Моисеем и указывает ему на мир,  который Моисей должен покинуть, на людей, которых он спас от рабства и привёл на «благодатную землю», где они и стали жить; и как завершение сюжетной линии картины – сцена погребения Моисея.

Другой представитель эпохи Возрождения, но теперь уже Раннего Возрождения, представитель флорентийской школы итальянский живописец ДОМЕНИКО ГИРЛАНДАЙО (1449 — 1494). Его картину «Призвание первых апостолов» (1486)  отмечает ясность композиции спокойная повествовательность. Изображённые на ней люди приятны и понятны зрителю. На ней, как и на предшествующей работе показаны несколько сюжетных линий на одну из библейских сцен: двенадцать учеников Иисуса Христа.

В приморских городах Иисус Христос нашёл себе первых учеников, которых назвал апостолами, посланниками. Они должны были стать Его помощниками. Звать людей в Царство Божие. Произошло это так.

Проходя у берега, Иисус увидел двух братьев-рыбаков, Симона и Андрея, которые закидывали сети с лодки.

— Следуйте за Мной! – сказал Он им. И они тотчас, присоединились к Иисусу.

Симону Он дал второе имя – Пётр.

Вскоре к ним присоединились и другие два брата, жившие неподалёку, — юный Иоанн и Иаков.

С того времени, как Иисус стал проповедовать, за ним следовало множество людей из разных мест, он их учил и исцелял от болезней. Иисус избрал себе двенадцать учеников, чтобы они всюду были с ним. Он стал посылать их на проповедь и дал им власть исцелять болезни и изгонять нечистых духов. И, создавая картину, Гирландайо за её основу взял этот сюжет из библии.

Поэтому, особенностью культуры Возрождения был реализм в искусстве и литературе. Условные формы феодального искусства имели своим предметом главным образом церковные и религиозные сюжеты. Изображая в готических соборах святых или события библейской истории, художник мало заботился об естественности, правдивости изображения. Поэтому художник часто нарочито неправильно изображал человеческое тело. Будучи библейскими персонажами, Христос, Мадонна и святые занимали средневекового художника не как действительно когда-то существовавшие люди, хотя он верил, что они когда-то действительно существовали.

Феодальному искусству было свойственно лишь символическое изображение. Художник Возрождения подходил к своему сюжету с совершенно иных позиций. Обращаясь к религиозным сюжетам, рисуя тех же святых, он давал чисто реалистическое изображение природы и людей, он создавал картины, а не иконы. Отвечая требованиям своего времени, архитекторы и художники эпохи Возрождения создавали не только храмы, но и красивые жилища; они интересовались самим человеком, его личностью, всеми подробностями его индивидуального существования (портрет), изображали его реалистически. Художник изображал природу, любовался её красотой, он стремился передать красоту человеческого тела, одухотворённость человеческого лица, его индивидуальные особенности.

Сандро Боттичелли. Мадонна с гранатом. 1487 г. Уффици. Флоренция

САНДРО БОТТИЧЕЛЛИ (1444/45 — 1510) – настоящее имя Александро Филипепи – флорентийский живописец Раннего Возрождения. Сын зажиточного горожанина (дубильщик кожи по профессии), он по тем временам получил достаточно хорошее образование. Страсть к живописи привела 15-летнего Боттичелли в мастерскую художника Филиппо Липпи. А в 1470 он открыл собственную мастерскую.

Искусство Боттичелли отличается эмоциональностью, богатством фантазии, но вместе с тем и тягой к символике и некоторой архаичностью манеры. Сандро Боттичелли занимает особое место в искусстве итальянского Возрождения. Он вольно или не вольно, выражает в первую очередь свои собственные переживания, и поэтому  его искусство приобретает лирический характер.

Герои его картин задумчивы и грустны: алтарная картина для Воспитательного дома во Флоренции «Мадонна с гранатом» (1487). Его Мадонна стройная, высокая, у неё маленькая головка, узкие, покатые плечи и красивые длинные руки. У неё платье необычайного покроя и длинный плащ, край которого образует красивую, причудливую, изогнутую линию. У художника Мадонна задумчива, она не замечает окружающих.

В картинах Боттичелли человек утрачивает активную роль, он подвержен силам, действующим извне, он отдаётся порыву чувства.

Период, когда была создана эта картина – конец 80-х годов – можно считать периодом, с которого начинается перелом в творчестве Боттичелли: античные, мифологические сюжеты исчезают из его творчества.

Если в картинах 1480-х годов чувствовалась чуткая настроенность, готовность отдаться порыву, то в более поздних произведениях живописца персонажи уже утрачивают всякую власть над собой. Сильное чувство захватывает их, глаза их полузакрыты, в движениях – порывистость.

 «Рождество» (1500/01) – последнее из датированных произведений Боттичелли: передние фигуры здесь почти вдвое меньше фигур второго плана. При этом точка зрения на фигуры выражает не их объективное местоположение, а скорее их внутреннюю значимость; так, Мария, склонившаяся над ребёнком, изображена снизу, а сидящий рядом с ней Иосиф – сверху.

Работы, созданные Сандро Боттичелли сохраняют  лёгкость и ясность изображаемых образов.

Бурное развитие во всех областях науки и искусства, появление людей-титанов, стало символом эпохи Высокого Возрождения (XV — XVI века).

Тогда не было ни одного крупного человека, который не совершил бы далёких путешествий, не говорил бы на 4 или 5 языках, не блистал бы в нескольких областях творчества.

Так, ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (1452 — 1519) был не только великим итальянским живописцем, но и великим скульптором, архитектором, учёным и инженером эпохи Высокого Возрождения.

Родился он 15 апреля 1452 года в местечке Винчи близ Флоренции. Четырнадцати лет Леонардо поступил в мастерскую знаменитого флорентийского скульптора, художника и золотых дел мастера Андреа Верроккьо, где провёл 6 лет. В эти годы вырабатывается творческий метод будущего мастера, основанный на внимательном изучении природы, смелом эксперименте и серьёзных познаниях в области точных наук.

Леонардо-художник создал гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам того времени. Он достиг той гениальной простоты, ясности и гармонии, которые знаменовали собой начало нового, высшего этапа в итальянском искусстве – эпохи Высокого Возрождения. И это, не смотря на то, что Великий художник был левшою и все свои картины писал левой рукой.

Он работал медленно, бесконечно экспериментируя. К тому же научные интересы часто отвлекали его от занятия живописью. Из того немногого, что он создал, до нас дошло не всё – лишь около 15 живописных произведений, рассеянных по музеям разных стран: 2 картины хранятся в Эрмитаже: «Мадонна Лита», «Мадонна с цветком».

В ранних произведениях Леонардо да Винчи, подчёркивая плавную объёмность форм мягкой

Леонардо да Винчи. Мадонна с цветком. 1478 г.

светотенью, иногда оживлял лица едва уловимой улыбкой с целью передачи тонких душевных состояний. Одна из первых его самостоятельных работ, выполненных после оставления мастерской Верроккьо, — «Мадонна с цветком»/ «Мадонна Бенуа» (1478). Это произведение поражает и оригинальностью замысла и совершенством исполнения.

Взяв тему, весьма распространённую в искусстве того времени, художник отказался от традиционной трактовки образа Мадонны, грустной или задумчивой, и создал образ жизнерадостной, исполненной чисто земной прелести женщины. Исследуя законы оптики, Леонардо впервые широко применил светотень не только как средство моделировки формы, но и как средство «оживления» персонажей своих картин. В «Мадонне Бенуа» дан индивидуальный тип человека: показана красота положительных героев.

Не найдя себе применения при дворе Лоренцо Великолепного (Флоренция), где безраздельно царил Боттичелли, Леонардо в 1482 году покидает родной город и отправляется в Милан. Его появлению в Милане предшествовала слава знаменитости, и всё же миланцы не ожидали увидеть человека столь разностороннего. Он был красив, элегантен, обходителен, блистал красноречием, сочинял басни и сонеты, охотно импровизировал, играя на серебряной лютне собственной конструкции. 17 лет, проведённых в Милане (1482 – 1499),  —  период высшего расцвета гения: «Мадонна в гроте» (1483 — 1490/94); «Тайная вечеря» (1495 — 1497).

В 1499 году войска французского короля Людовика XII завоевали Милан. Художнику пришлось покинуть город. Потекли годы скитаний. В 1503 – 1506 годах Леонардо опять во Флоренции. Здесь была создана «Джоконда» (1503, Лувр) – шедевр  мирового искусства. В этой картине воплотился возвышенный идеал женственности и человеческого обаяния. Фиксируя результаты многочисленных наблюдений в набросках, эскизах, которые он всегда носил с собой в блокноте на поясе, Леонардо да Винчи добивался остроты передачи мимики лица, а физические особенности движения человеческого тела приводил в соответствие с духовной атмосферой композиции.

В 1516 году стареющий художник едет в Милан и принимает приглашение поступить на службу к французскому королю Франциску I. Он получает звание первого живописца короля: ему подрожали в манере одеваться, вести себя в обществе.

Леонардо да Винчи в первую очередь был учёным, поэтому, создавая картину, он использовал синтез законов живописи и науки. Его работы заставляют задуматься  над мирозданием, «покопаться» в сюжете картины.  Неутомимый учёный – экспериментатор и гениальный художник, он внёс значительный вклад в развитие мирового искусства. Он стал символом эпохи, «… которая нуждалась в титанах и которая породила титанов по силе мысли, по многосторонности и учёности».

Смерть приближалась – 12 апреля  1519 года почти больной, он составил завещание, в котором предупреждал во всех деталях ритуал похорон. 2 мая 1519 года Великий художник умер.

Другой представитель эпохи Высокого Возрождения МИКЕЛАНДЖЕЛО ДИ ЛОДОВИКО ДИ ЛИОНАРДО ДИ БУОНАРРОТИ СИМОНЕ (1475 – 1564).

Великий скульптор, художник и архитектор Высокого Возрождения. Он был вторым ребёнком в семье Лодовико Леонардо Буонарроти, подесты (главы местного самоуправления) городов Кьюзи и Капрезе.

Микеланджело Буонарроти родился 6 марта 1475 года в Капрезе близ Флоренции. В 14 лет Микеланджело поступил в мастерскую флорентийского живописца Гирландайо, где много рисовал с натуры и копировал рисунки старых мастеров, делая это так хорошо, что их нельзя было отличить от подлинников.

Его всегда влекло изображение сильных и великих образов. Уже в юношеских произведениях  определились главные черты творчества художника – монументальность, пластическая мощь, внутренняя напряженность и драматизм образов, преклонение перед красотой человека. Микеланджело, в первую очередь скульптор: у него фигуры на картинах «лепные», «тяжёлые». В его произведениях чувствуется безукоризненное знание анатомии; отчётливо звучит тема героического человека, которая будет ведущей в его творчестве на протяжении всей его жизни.

В 1496 году Микеланджело, почти безвыездно живший во Флоренции, отправляется в Рим. В это время Папа Юлий II приказал ему расписать потолок Сикстинской капеллы, которая была выстроена в XV веке для папы Сикста III, отсюда и её название. В живописном цикле, выполненном на своде Сикстинской капеллы в Ватикане (1508 — 1512), включены композиции со сценами из библейской книги Бытия, начиная с первых дней сотворения и кончая потопом. Но легенда служила Великому художнику лишь поводом, чтобы создать поэму о творческой мощи человека. За 4 года без чьей-либо помощи Микеланджело собственноручно покрыл росписью поверхность площадью свыше 500 кв. метров! В средней части плафона он поместил 9 композиций на библейские сюжеты: «Отделение света от тьмы», «Отделение земной тверди от воды», «Сотворение светил и растений», «Сотворение Адама», «Сотворение Евы», «Грехопадение и изгнание из Рая», «Всемирный потоп», «Жертвоприношение Ноя», «Опьянение Ноя» (1508 — 1512). Этим фрескам плафона Сикстинской капеллы, как и другим живописным произведениям художника, свойственна чёткость пластической лепки, напряжённая выразительность рисунка и композиции, преобладание в красочной гамме сдержанных, изысканных цветов. Композиции плафона – гимн человеку. Нет ничего мистического ни в образе бога, ни в образах других библейских персонажей. Здесь созидают, действуют, страдают, размышляют люди, но люди героического плана: на пригорке представлен полулежащий обнажённый мужчина. Старец (Саваофа) несётся мимо него и касается  пальцем его руки: Саваоф сотворил первого человека.

В своей живописи великий художник мыслит как скульптор: для него почти нет цвета, он говорит языком объёмов и линий.

Микеланджело. Страшный суд

Много лет спустя Микеланджело написал на алтарной стене капеллы фреску «Страшный суд» (1534 – 1541). По сравнению с лёгкими светлыми тонами плафона эта картина кажется тёмной. На огромной поверхности в 200 кв. метров как бы охваченные зловещим  вихрем движутся бесчисленные полуобнажённые фигуры грешников и праведников (при жизни художника, по приказу Папы, частично были «прикрыты» фигуры обнажённых людей  написанными драпировками). Микеланджело дал свою трактовку образа  Христа: не благостный спаситель, а грозный судья, он единым мановением руки обрекает всё человечество на тяжкие страдания. Смятение и волнение пробегают через многолюдные толпы людей. Они словно наступают на фигуру гневного бога. Тела праведников и грешников, вздымаясь к небу и низвергаясь в преисподнюю, образуют огромный венок – наглядное выражение судьбы человека.

Сохранилось несколько писем великого мастера, которые проливают свет на условия работы при дворе римских пап. Так, в период росписи Сикстинской капеллы папа Юлий II спросил Микеланджело: «Когда ты окончишь плафон?». Художник ответил: «Когда буду в состоянии его окончить». Строптивый папа, вспылив, ударил его палкой, которую держал в руке.

Творчество Микеланджело, явившееся блестящим заключительным этапом итальянского Возрождения, сыграло значительную роль в истории европейского искусства.

Великий художник умер в своей мастерской 18 февраля 1564 г. 89 лет от роду. Папа  его хотел похоронить  в соборе Св. Петра. Но племянник Микеланджело тайком вывез  его тело из Рима и торжественно похоронил в церкви Санте Кроче – усыпальнице великих людей Флоренции.

РАФАЭЛЬ САНТИ (1483 — 1520). Родился 28 марта 1489 г. в городке Урбино, столице небольшого герцогства. Отец Рафаэля – Джованни Санти был первым учителем своего сына. В 8 лет Рафаэль потерял мать, а в 11 лет – отца. В 1500 г. Рафаэль отправился в Перуджу и поступил в мастерскую Пьетро Перуджино. Лиричное искусство Перуджино оказало значительное влияние на весь ранний период творчества Рафаэля. В 1504 г. Рафаэль приехал во Флоренцию, где перед ним открылись широкие возможности приобщиться к лучшим образцам флорентийского Ренессанса. Здесь впервые проявляется дар Рафаэля – легко усваивать лучшие достижения художественной культуры и, творчески перерабатывать полученные впечатления, обогащать ими своё собственное искусство.

Картины флорентийского периода в большинстве своём изображают Мадонн. Они поэтичны и подкупают живой выразительностью образов и кристальной ясностью композиции: «Мадонна с вуалью» (после 1500).

Мадонн изображали многие мастера Ренессанса, но никто из них не достиг той многогранности, тех тонких оттенков в трактовке образа женщины-матери, как Рафаэль. Это становится очевидным, если обратить внимание на картину «Мадонна делла Седиа» / «Мадонна в кресле» (ок. 1516 г., Галл. Палатина). Изображённая на этой картине Мадонна, кажется совсем земной, может быть, даже несколько обыденной. Но весь облик её исполнен истинно человеческого достоинства и спокойного благородства. У Мадонны красивое лицо итальянской крестьянки, она прижимает к себе сына, стремясь укрыть его от невзгод. Молодая мать изображена не в традиционном наряде Мадонн, а в платье, какое носили современницы художника, голову её покрывает полосатый шарф.

В одном из писем к графу Кастильоне Рафаэль раскрыл сущность своего творческого метода: «Для того, чтобы написать прекрасную женщину, надо было мне видеть множество прекрасных женщин, … но так как прекрасных женщин … мало, то я беру в вожатые себе некую идею …»

Примерно в 1508 — 1514 годах Рафаэль создаёт «Сикстинскую Мадонну» (Картинная галерея, Дрезден). Долгие годы она служила алтарным образом в церкви Св. Сикста (отсюда и название картины) в небольшом итальянском городке. Удивительна её дальнейшая судьба. В 1754 году картина была куплена у монахов для Дрезденской картинной галереи за 20 000 цехинов (в переводе на вес – 70 кг. золота).

Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна. 1513-1514 гг. Картинная галерея, Дрезден

В годы Второй Мировой войны по особому приказу гитлеровского правительства художественные ценности галереи были вывезены и спрятаны в нескольких тайниках совершенно непригодных для хранения живописи.

В мае 1945 года «Сикстинская Мадонна», а с нею ряд шедевров в результате поисков были обнаружены советскими солдатами в пыльной штольне заброшенных каменоломен неподалёку от Дрездена. Вход в тоннель гитлеровцы замуровали, а вокруг в целях маскировки посеяли траву. «Сикстинская Мадонна» была вывезена в Москву, а в 1956 году возвращена в Дрезден.

В этом произведении предельная ясность, величавая простота художественного языка сочетаются с глубиною идейного замысла. Внезапно распахнулся занавес – и глазам зрителя предстала мать с ребёнком на руках. Спокойный, «литой» силуэт матери чётко вырисовывается на фоне светлого сияющего неба. Она движется лёгкой, решительной поступью, встречный ветер развивает складки одежд, отчего её фигура кажется ещё более ощутимой. Маленькие босые ноги уверенно ступают по пушистым облакам, в белой массе которых утопают коленопреклонные фигуры Сикста и Варвары. Неуклюжий, в тяжёлом облачении, старик Сикст указывает рукою на землю, куда следует Мадонна; светски изящная Св. Варвара застыла в благоговейном молчании. Эти фигуры несут определённую смысловую и композиционную нагрузку: подчёркивая возвышенный характер образа Мадонны, они уравновешивают композицию.

Прекрасное лицо молодой женщины выражает огромную внутреннюю силу. В нём и любовь к младенцу, и тревога за его судьбу, и непоколебимая твёрдость, и сознание величия совершаемого подвига – мать жертвует своим единственным сыном во имя спасения людей. Младенец широко открытыми глазами смотрит на лежащий перед ним мир.

Крамской говорил, что «…Мадонна Рафаэля действительно – произведение великое и действительно вечное…»

Великий русский поэт Жуковский высказывался так: «…Сказывают, что Рафаэль, натянув полотно своё для этой картины, долго не знал, что на нём будет: вдохновение не приходило. Однажды он заснул с мыслью о Мадонне. Он вскочил: она здесь! Закричал он, указав на полотно,и начертил первый рисунок, и в самом деле, это не картина, а видение: чем дольше глядишь, тем живее уверяешься, что перед тобою что-то неестественное происходит. Здесь душа живописца, без всяких хитростей искусства.

Приходит мысль, что эта картина родилась в минуту чуда: занавес рездёрнулся, и тайна неба открылась глазам человека.

В низу картины, с границы земли, один из 2-х ангелов устремил задумчивые глаза в высоту: важная глубокая мысль царствует на младенческом лице. Будь младенцем, будь ангелом на земле, чтобы иметь доступ к тайне небесной.

Он писал не для глаз, а для души, которая, чем более ищет, тем более находит.

В Богоматери, идущей по небесам, неприметно ни какого движения;     но чем более смотришь на неё, тем более кажется, что она приближается. На лице её … спокойствие, чистота, величие. Она не поддерживает младенца, но руки её смиренно и свободно служат ему престолом.

В творчестве Рафаэля с наибольшей полнотой выразился стиль искусства Высокого Возрождения. Работоспособность мастера равнялась его гению.

Почти ничего не известно о личной жизни художника. Его современники отмечают, что Рафаэль отличался влюбчивостью. Ухаживал за женщинами и всегда готов был им служить. Черты лица его полумифической возлюбленной (в XVIII в. ей дали имя Фарнарины) усматривают в картине «Мадонна в кресле».

Свою последнюю картину «Преображение» (1518 — 1520, Ватиканская пинакотека) Рафаэль не успел закончить, она была дописана его любимым учеником Джулио Романо.

Рафаэль – это поэт живописи, его работы лёгкие, они радуют, как глаз зрителя, так и его душу. Словно лёгкой кистью работает художник! Искусство Рафаэля долгое время сохраняло значение неприрекаемого авторитета и образца, оказав значительное влияние на европейскую живопись XVII — XIX веков.

Рафаэль умер 6 апреля 1520 года 37 лет от роду в полном расцвете творческих сил. Могила Рафаэля находится в римском Пантеоне. Её украшает мраморная статуя Мадонны, выполненная его учеником скульптором Лоренцо Лоренцетто.

Учитель Рафаэля – ПЬЕТРО ПЕРУДЖИНО (1445/52 — 1523).  Итальянский живописец эпохи Раннего Возрождения. С 1470 года работал в мастерской флорентийского художника А. Верроккьо, творчество которого оказало большое влияние на Перуджино.

На примере данных картин: «Христос – Судья» (1481 – 1482) и «Передача ключей Св. Петру» (1481 – 1482), можно сказать, что живопись Перуджино отличается плавностью композиционных ритмов, лиризмом пейзажных фонов, изображающих холмистые дали Умбрии. Ясная уравновешенность пространственного построения, особая гармоничность и мягкая грациозность произведений художника оказали влияние на его ученика Рафаэля.

Очень интересны работы 2-х  итальянских художников: КОЗИМО РОССЕЛИ  «Тайная вечеря» (1481 – 1482) и ПЬЕТРО ДИ КОЗИМО (1462 – 1521) « Передача скрижалей».

На картине «Тайная вечеря» художник показал один из библейских сюжетов.

Козимо Россели. Тайная Вечеря. Фреска Сикстинской капеллы

Когда приблизилась Пасха, Иисус велел ученикам приготовить праздничную трапезу. Он, знал, что время его страданий близко и хотел последний раз побыть со своими учениками. В четверг на закате солнца все собрались в одном из домов. Там уже был накрыт стол. Ученики ели хлеб и испили чашу из рук Иисуса. Иисус знал, что это последняя его встреча с учениками. Он знал, что один из его учеников – Иуда, предаст его. И Козимо Россели показал это на картине. При этом, как художник эпохи Возрождения, он события прошлых веков перенёс в современное ему время: рядом с Иисусом и его учениками стоят люди одетые в одежды эпохи средневековья, интерьер помещения и пейзаж за окнами – это Европа XV – XVI веков.

ПЬЕТРО ДИ КОЗИМО (1462 — 1521) – итальянский живописец эпохи Возрождения, представитель флорентийской школы. Творчество Филиппо Липпи, Леонардо да Винчи повлияло на художника. Тонкое ощущение поэтичности красоты мира сочетается в произведениях Пьетро ди Козимо с элементами сказочности и утончённости стилизации. Пристальное внимание к натуре и вместе с тем некоторая манерность образов свойственны его картинам: «Передача скрижалей». В данной работе показана одна из библейских сцен: Моисей получает на горе Синай от бога Яхве скрижали в библейской мифологии каменные доски с «10 заповедями» (в переводе «то, что хранит»).

Другой представитель флорентийской школы, но уже эпохи Раннего Возрождения, итальянский живописец ФРА АНЖЕЛИКО (140 0- 1455). Его работа «Благовещение» (1440 — 1441): отмечено наивной и глубокой религиозностью, она проникнута светлым лиризмом и поэтичностью.

фра Беато Анжелико. Благовещение, ок. 1426 г. Прадо, Мадрид

Благовещение – это один из церковных праздников, который имеет свою историю. В маленьком городе жила девушка, по имени Мария. Она любила Господа, имела чистое сердце. Однажды ей явился Ангел Гавриил, посланный Господом. Он сообщил ей о том, что у неё будет сын от Господа Бога Иисус Христос: он принёс ей благую весть и поэтому 7 апреля верующие люди отмечают праздник Благовещение.

Ещё один представитель флорентийской школы эпохи Раннего Возрождения, итальянский живописец ФРА ФИЛИППО ЛИППИ (1406 — 14690). В 1421 – 1456 был монахом. Его творчество сложилось под влиянием Фра Анжелико.

В произведениях Филиппо Липпи всё обаяние заключается в непритязательности, с которой художник передаёт  в картине черты своей возлюбленной, пример тому, картина «Мадонна с младенцем и двумя ангелами» (1465), — её по-детски припухлые губы и широкий, чуть вздёрнутый нос, благочестиво сложенные руки с пухлыми пальцами, плотное тельце ребёнка и задорную, даже несколько развязную улыбку ангелочка с лицом уличного мальчишки. Его Мадонна одета в костюм флорентийки, художник тщательно передаёт все подробности её одежды, вплоть до застёжки на плече. Всё это на фоне пейзажа. Она  старательно благочестива, она опустила глаза, но ресницы её дрожат, ей нужно сделать над собой усилие, чтобы не взглянуть на зрителя.

Художник выполнял алтарные композиции, отличающиеся проникновенным лиризмом, изяществом линейного рисунка, мягкой светотеневой лепкой, гармонией светлого, сдержанного колорита, индивидуальностью портретного образа.

И последний художник эпохи Возрождения, представленный на этой выставке, живописец — основоположник искусства Возрождения в Венеции – ДЖОВАННИ БЕЛЛИНИ (1430 – 1516).

Родился и вырос в Венеции. Живопись его так расцвела здесь, что долго Венеция не хотела знать никакой другой, и десятки художников, списывали и даже подделывали её. Его искусство было понятно и любимо венецианцами,

Джованни Беллини написал множество Мадонн, очень простых, серьёзных, не печальных и не

Джованни Беллини. Мадонна с младенцем

улыбающихся, но всегда погруженных в ровную и важную задумчивость. Это созерцательные и тихие души. Пример тому: «Мадонна с младенцем» (1488).

Целый объём чувств и переживаний, составляют его картины. Никто другой не умеет так, как он, соединять все помыслы  в какой-то неопределённой сосредоточенности, приводить его к созерцанию. В творчестве художника сформировался полный интереса к человеческой личности гуманистический портрет. Сюжеты его картин часто показаны на фоне пейзажа, деревни и гор, о которых всегда думается в Венеции.

Картина Д. Беллини «Пьета» (1487), можно сказать, что это символ эпохи Возрождения. Пьета / Пиета в переводе с итальянского – милосердие, в изобразительном искусстве это сцена оплакивания  Христа Богоматерью.

Культура Возрождения получила большое развитие в Европе. Художники эпохи действительно создавали свои работы, они творили! И их творчество – идеи Возрождения, способствовали разрушению феодально-религиозных представлений.

Елена Краснова.

Реклама

Posted 20.07.2011 by Elenushka

Добавить комментарий

Заполните поля или щелкните по значку, чтобы оставить свой комментарий:

Логотип WordPress.com

Для комментария используется ваша учётная запись WordPress.com. Выход / Изменить )

Фотография Twitter

Для комментария используется ваша учётная запись Twitter. Выход / Изменить )

Фотография Facebook

Для комментария используется ваша учётная запись Facebook. Выход / Изменить )

Google+ photo

Для комментария используется ваша учётная запись Google+. Выход / Изменить )

Connecting to %s

%d такие блоггеры, как: