Реализм в творчестве Рембрандта   Leave a comment


XVII век – это «золотой» век живописи. Искусство XVII века, по сравнению с культурой

Рембрандт Харменс ван Рейн. Автопортрет. 1630 г.

предшествующих эпох, сложнее, противоречивее в содержании и художественных формах. В центр внимания художниками ставится человек, сознающий свою значимость от общественной среды и объективных законов бытия. Его воплощение становится более конкретным, эмоциональным и психологически сложным. Художники XVII века стремятся показать во всём многообразии реальную жизнь. Стремление к широкому показу действительности приводит в это время к появлению всевозможных жанровых сцен. В изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоёвывают светские жанры: бытовой жанр, пейзаж, натюрморт. Это ознаменовало появление в XVII веке реалистического направления в искусстве, что является важной вехой в эволюции западно-европейского искусства.

В это время Италия, Франция, Испания, Фландрия, Голландия быстро становятся влиятельными художественными центрами. XVII столетию принадлежат Величайшие мастера реализма: Караваджо, Веласкес, Хальс, Дельфтский и, конечно же, Рембрандт Харменс ван Рейн – крупнейший мастер реалистического искусства, в творчестве которого голландская живопись XVII века достигла своей вершины.

Он является крупнейшим представителем голландской живописи XVII века.

Голландия XVII века – это богатое государство, где купечество достигло своего могущества и небывалого богатства. Голландия – это страна купцов, предпринимателей, страна – торговли. Разбогатевшие роды Голландии того времени стремились показать своё состояние, своё богатство. И поэтому богачи обзаводятся шикарными дворцами, которые напичканы разного рода диковинками, собранными со всего света. Это и посуда, и персидские ковры, и живопись предшествующих эпох, и драгоценности. И не случайно именно на XVII век приходится расцвет голландской живописи. Богачи местным художникам заказывали свои портреты и портреты членов своей семьи. Художники, стараясь угодить заказчикам, изображали портретируемых в зените их славы и богатстве. Такие портреты прославляли изображаемых.

Такой традиции создания портрета в первый период своего творчества придерживался и Рембрандт. Но это было вначале творческого пути художника.

Несмотря на то, что, скорее всего, он никогда не выезжал из Голландии, уже при жизни Рембрандт был известен по всей Европе и оказывал сильное влияние на искусство той эпохи. Ещё когда художник был жив, его творчество и жизнь стали легендой.

Творчество Рембрандта проникнуто стремлением к глубокому, философскому постижению действительности и внутреннему миру человека во всём богатстве его душевных переживаний. Реалистическое и гуманистическое по своему существу, оно ознаменовало собой вершину развития голландского искусства XVII столетия, воплотив в яркой индивидуальной и совершенной художественной форме высокие нравственные идеалы, веру в красоту и достоинство простых людей. Необычайная широта тематического диапазона, глубочайший гуманизм, одухотворяющий произведения, подлинный демократизм искусства, постоянные поиски наиболее выразительных художественных средств, непревзойдённое мастерство давали художнику возможность воплощать самые глубокие передовые идеи времени. Художественное наследие Рембрандта отличается исключительным многообразием: портреты, групповые портреты, натюрморты, жанровые сцены, картины на библейские, мифологические и исторические сюжеты.

После кратковременного обучения в лейденском университете на факультете философии (1620 г.) он посвятил себя искусству. Учился живописи у Сваненбюрха в Лейдене (ок. 1620-23 гг.) и у исторического живописца Питера Ластмана в Амстердаме (1623 г.), который оказал большое влияние на творчество Рембрандта. После недолгого обучения у него Рембрандт вернулся в Лейден, где с 1623 по 1631 года он плодотворно работает. Открыл собственную мастерскую и набрал учеников. Наступила пора успеха и известности. Его техника совершенствовалась. Драматизм, непосредственность, впечатление схваченного мгновения, соответствующим образом избранные композиции и освещение, полное сочувствия психологическое описание составляют неповторимые особенности произведений Рембрандта.

Ещё в самом начале его творческого пути его мастерскую посетил некий Максим Хэггенс и оставил запись на память Рембрандту: «Браво, Рембранд!». Вскоре Рембрандт обретает сильного и богатого покровителя, который вводит его в богатое общество Голландии.

В этот период он очень много пишет портретов богатых, знатных горожан. Но и в этот же период, картины Рембрандта отмечены поисками творческой самостоятельности, хотя в них сказывается ещё воздействие Ластмана и утрехтских караваджистов. Так в картинах «Апостол Павел» (ок. 1629 — 30 гг., Германский национальный музей, Нюрнберг) и «Симеон во храме» (1631 г., Маурицхёйс, Гаага) Рембрандт впервые использовал светотень как средство усиления одухотворённости и эмоциональной выразительности образов.

Его творчество стало символом эпохи живописи XVII столетия.

Отличительной особенностью в европейской живописи  XVII века стало выдвижение на первый план камерного, интимного портрета, в противоположность портрету парадному, направленному на возвеличивание и прославление изображаемых. Так и Рембрандт, в ранний период своего творчества (лейденский период) упорно работает над портретом, изучая мимику человеческого лица, различные проявления характеров, индивидуальные черты человека. В это время он создаёт серию автопортретов и портретов членов его семьи. В многочисленных портретах, костюмированных автопортретах (более ста) Рембрандт фиксировал, анализировал душевные состояния, типы характеров и роли.

Портрет «Николас Ратс» (1631 г.), или взять, например, картину с библейским сюжетом «Плачь

Рембранд Харменс Ван Рейн. Плач Иеремии о разрушении Иерусалима. 1630 г. Рейксмузеум, Амстердам

Иеремии о разрушении Иерусалима» (1630 г.), групповой портрет «Концерт» (1626 г.): здесь очень ярко показано душевное состояние портретируемых. И всё это Рембрандт достигает светотенью. К тому же, стремясь показать на портрете внутренний мир человека, Рембрандт чаще всего помещает портретируемого в интерьер, чем в пейзаж: так, в замкнутом помещении, легче всмотреться в лицо человека. В композициях есть нечто изумительное. Его занимает свет, обильно падающий на предметы. Мало-помалу стремление передать внешний вид предметов приводит его к живописи тщательно выписанной, опрятной, вылощенной. Он стремиться к гармони голубых, бледно-зелёных и розово-жёлтых тонов. Стоит обратить внимание на картину 1630 года «Плачь Иеремии о разрушении Иерусалима» (1630 г.). Картина создана на один из библейских сюжетов Ветхого Завета, который гласит. Пророк Иеремий предсказал разрушение Еврейского государства, разрушение Иерусалима. Но никто ему не поверил. Однако, Иерусалим был разрушен. И художник показал момент, когда около развалин разрушенного Иерусалима Иеремий сокрушается о том, что он наделён даром предсказывать. Ему тягостен этот дар, но он ничего не может поделать. К тому же, использованные краски, композиция – всё заставляет зрителя обратить внимание на лицо Иеремии, как сразу чувствуется боль, душевное страдание человека его раздумья о судьбе всего человечества. Насколько эмоционально и психологически точно передал художник состояние этого старика: всё, от красок на картине, до положения позы человека, передаёт его страдания, его душевное состояние. Несомненно, что портреты, написанные кистью Рембрандта, доказывают, каким проницательным был художник уже в 25 лет. И эту марку своего творчества он будет держать до конца своих дней.

Жизнь у художника по-началу складывалась удачно. В 1632 году Рембрандт переехал в Амстердам, где вскоре женился на богатой патрицианке Саскии ван Эйленбюрх. 1630-е годы – это годы семейного счастья и огромного художественного успеха Рембрандта. Картина «Урок анатомии доктора Тюльпа» (1632 г., Маурицхёйс, Гаага), в которой художник по-новому разрешил проблему группового портрета, придав композиции жизненную непринуждённость и объединив портретируемых единым действием, принесла Рембрандту широкую известность. Он пользуется широкой популярностью, получает много заказов, в его мастерских работают многочисленные ученики.

Рембрандт продолжает совершенствоваться в технике написания портрета. В заказных портретах состоятельного бюргерства он тщательно передаёт черты лица, одежду, драгоценности, но нередко модели получают и чёткую социальную характеристику. В автопортретах и портретах близких людей художник смело экспериментирует в поисках психологической выразительности. Он часто изображает Саскию и самого себя, молодого, счастливого, полного сил. Работам этого времени порой бывают свойственны нарочитые внешние эффекты: нарядные, причудливые одеяния, освещение, резкие ракурсы, контрасты света и тени. Один из ярких примеров творческих исканий художника – это «Портрет Саскии», выполненный около 1635 года. При наличии здесь новой техники написания портрета, Рембрандт в портрете жены показал своё стремление к точности и правдивости, в чём и проявился несомненный и искренний дар художника. Что и в этот, почти ещё начальный период, чувствуется уже великий художник, самостоятельный и совершенный.

Искания этого периода завершил знаменитый «Автопортрет с Саскией» / «Весёлое общество» (ок. 1636 г.; Картинная галерея, Дрезден). Смело порывающий с художественными канонами, отличающийся

Рембранд Харменс ван Рей. Автопортрет с Саскией на коленях. 1935-1636 гг. Нидерланды (Голландия) Дрезден. Картинная галерея

живой непосредственностью и приподнятостью композиции, свободной манерой живописи, мажорной, наполненной светом, золотистой, красочной гаммой.

В это время манера Рембрандта становится смелее, рисунок свободнее, его радуют пышные, богатые краски, его мазок становится глубоким и сочным.

Если в начале своего творческого пути он был художником-живописцем, то вскоре он становится духовидцем. Рембрандт сводит знакомство с амстердамскими евреями. Он полюбил гулять в окрестностях Амстердама. Его видят у старых раввинов, которые объясняют ему библию, утверждают достоверность необычайного и сверхъестественного, дают текстам писания неожиданные и как бы озаряющие толкования и вызывают к жизни скрытые мечты, которые он носил в себе.

Он становится художником чудесного. Всё это подтверждается в его работах красками, дивным освещением, которое он создаёт.

Картина «Христос в Галилейском море во время шторма», созданная в 1933 году, написана на один из библейских сюжетов. Настолько мастерски художник работает кистью, так много он вкладывает в картину глубоких, чисто человеческих чувств, что чудо кажется свершившимся: Христос сошёл на землю и находится среди людей. Мир, созданный его воображением, как натуральный, что зритель верит в него так же легко, как верит в совершение привычных нам вещей.

В этот период (1630-е гг.) в творчестве Рембрандта наблюдается тяготение к реалистическому перееданию сюжетов. Он отказывается от бурной патетики и внешних эффектов: он стремится к психологической выразительности. Богаче становится в его картинах и тёплая цветовая гамма, ещё большую роль приобретает свет, сообщающий особую трепетность и взволнованность произведению.

Одну за другой он пишет большие религиозные композиции. Одновременно с этим он заканчивает

Рембрандт Харменс ван Рейн. Пир Валтасара. 1635 г. Лондонская Национальная Галерея

целую серию произведений, этические или легендарные темы которых удерживают Рембрандта на его истинном пути тайновидца. Острота ракурсов и светотеневые контрасты используются им в композициях 1630-х годов на религиозные сюжеты. В такой манере написана картина «Пир Валтасара». Работа над этой картиной заняла у Рембрандта два года: 1634 – 1636 гг. На ней показан один из библейских сюжетов.

С помощью светотеневых контрастов художник приковывает всё внимание зрителя к лицу царя Валтасара и надписи, но которое обращён его испуганный взор. Интересен и сюжет, показанный на картине. Царь Вавилонский Валтасар однажды устроил пир для тысячи своих вельмож. Для этого он приказал слугам принести золотые и серебряные сосуды из Иерусалимского храма. Когда они были принесены, царь, его вельможи и их жёны стали пить из них вино и славить своих идолов. Но вдруг в царском чертоге, где шло пиршество, появилась кисть человеческой руки и стала писать на стене напротив лампады. Царь, увидев это, изменился в лице от страха. Он сразу ослаб и колени его стали дрожать. Царь громко закричал и повелел привести мудрецов для объяснения написанного. Долго никто не мог растолковать написанные слова и только один человек прочёл написанное на стене. Оно значило: «Исчислил Бог царство твоё и положил конец ему». В ту же ночь случилось то, что Бог предсказал через написанные на стене дворца слова: царь Валтасар был убит, а его царство было завоёвано. Это событие произошло много тысяч лет назад, но в картине оно кажется недавно происшедшим. Художник, словно, приблизил это событие к нам на много тысяч лет вперёд. Художник до мельчайших подробностей прорисовывает посуду на столе, одежду царя и даже его морщины на лице. Нет ничего идеального. Люди кажутся вполне реально-существовавшими и только одна рука в ярком свете доказывает великое мастерство Рембрандта.

Другая картина художника «Жертвоприношение Авраама» (1635 г.) не менее эмоциональна и динамична по своей сути. Выполнена на один из библейских сюжетов. Он гласит:

У Авраама и его жены долго не было детей. Им уже 90 лет и они перестали надеяться на чудо. Но, однажды, Господь Бог  послал человека к Аврааму, который передал ему волю Бога: у него и его жены будет сын. Долгожданный и единственный сын Авраама Исаак рос в любви и заботе родителей. Однажды Господь решил испытать веру Авраама и его любовь к Нему. Он  обратился к нему со словами: «Возьми сына твоего Исаака и принеси его в жертву твоему Богу». Трудно было Аврааму сделать это. Но он хотел исполнить всё, что Бог повелел ему, потому что он любил Господа всем сердцем своим. Поэтому Авраам нарубил дров и положил их на осла, взял с собой двоих слуг и Исаака и пошёл в указанное Господом место. Придя в указанное место, Авраам оставил слуг у подножия горы, а сам, поднявшись в гору, устроил жертвенник, разложил дрова и, связав Исаака, положил его на жертвенник… Но вдруг ангел Божий воззвал к нему с неба: «Авраам! Авраам! Не поднимай руки твоей на отрока и не делай над ним ничего, ибо теперь Я знаю, что ты готов всё сделать для Господа Бога твоего!». Сколько в картине динамики, резких движений, глубины показанного замысла. Рембрандт мастерски запечатлел минутное движение: Авраам занёс руку в твёрдом решении принести в жертву своего сына и тут неожиданно появляется ангел и успевает остановить его, схватив Авраама за руку.

В 1637 году Рембрандт пишет картину «Ангел Рафаил, покидающий семейство Товия» (Луврский музей). Композиция этой картины восхитительна. Семья патриарха: коленопреклонный отец, жена и сын, в испуге притаившиеся друг к другу, собака, робко свернувшаяся около своей хозяйки, — всё говорит о свершившимся чуде, между тем как ангел-исцелитель, стремительный и неприступный. В могучем полёте мчится к небесам, чтобы присоединится там к небесному воинству, от которого он на мгновение отделился. Это необычайное явление изображено, как всегда у Рембрандта, в самых существенных чертах. Нет ничего лишнего. Ни одного фальшивого жеста. Никакой напыщенности, никакого преувеличения. Создано впечатление полной естественности: ни на минуту нельзя усомниться в том, что небо снисходит к земным делам, что бог склоняется к людям и, что благочестивый старец только что испытал прикосновение незримой руки.

Рембрандт Харменс ван Рейн. Даная. 1636 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Рембрандт Харменс ван Рейн. Даная. 1636 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Особое место занимают выполненные Рембрандтом в 1630-х гг. мифологические композиции, в которых художник бросал смелый вызов классическим канонам и традициям («Похищение Ганимеда», 1635 г., Картинная галерея, Дрезден). Ярким воплощение этических взглядов художника явилась монументальная композиция «Даная» — 1636 год (большая часть картины переписана в середине 1640-х гг., Государственный Эрмитаж). Картина на мифологический сюжет выполнена в противоречии с принятыми, классическими канонами и традициями: сюжет на его картине необычайно жизнен и убедителен. Подчёркивают эту особенность картины мелкие детали: так у кровати разбросана обувь Данаи, вот настало утро и служанка, приоткрыв занавесь, хочет войти в опочивальню только что проснувшейся Данаи. Фигура Данаи далёкая от классических идеалов, она выполнена со смелой реалистической непосредственностью. Рембрандт чувственно-телесной, идеальной красоте образов итальянских  мастеров противопоставил возвышенную красоту духовности и теплоты интимного человеческого чувства. Существует версия, что моделью для создания картины послужила его жена Саския. Ряд искусствоведов выдвинули версию, что на картине показана вообще беременная женщина, об этом свидетельствует тот факт, что в XVII веке беременные женщины носили на руке браслеты, что и показал художник на картине.

В 1630-х гг. Рембрандт много работал и в технике офорта. Он часто воспроизводил с живой непосредственностью жанровые сцены, проявляя особый интерес к жизни социальных низов (многочисленные изображения нищих, «Продавец крысиного яда», 1632 г.). Прибегая к различным техническим приёмам, Рембрандт создал в этот период карандашные рисунки, меткие по характеристике, смелые и обобщённые по манере. Рембрандт в своём творчестве, всегда уделял большое внимание офорту и рисунку. Исполненные им в технике офорта портреты и пейзажи, бытовые и религиозные сцены отличаются новизной художественных приёмов, глубоким психологизмом образов, богатством светотени, выразительностью и лаконизмом линий. До нас дошло около 2 тысяч рисунков Рембрандта. Среди них подготовительные наброски, эскизные рисунки к живописным произведениям, зарисовки сцен повседневной жизни и рождающихся в его воображении замыслов.

Рембрандт известен также своими пейзажными образами: около 1640 он обратился к реальному окружающему пейзажу. До этого он писал пейзажи, следуя голландской традиции сочинённых ландшафтов. Мир родной природы предстаёт на его картинах в своей изменчивости. Он необычайно близок человеку, обжит им.

Уже с этого момента, когда наблюдается углубление реалистического мастерства художника, происходит  нарастание его разногласий с окружающей патрицианской средой. Конфликт, назревший между искусством Рембрандта и требованиями голландского буржуазного общества, постепенно утрачивавшего свои демократические традиции, проявился в 1642 году, когда картина «Ночной дозор» (Амстердам, Рейксмузеум) вызвала протесты заказчиков. В 1642 году по заказу роты стрелков Рембрандт написал большую картину (3,87 х 5, 02 м.), в связи с потемнением от времени красок получившую позже название «Ночной дозор». Вместо традиционной пирушки с портретами её участников, где каждый запечатлён со всей тщательностью индивидуальной характеристики, как это делалось ранее, художник изобразил выступление стрелков в поход. Подняв знамя, во главе                             с капитаном идут они под звуки барабанов по широкому мосту у здания гильдии. Необычайно яркий луч света, освещая отдельные фигуры, лица участников шествия и маленькую девочку с петухом у пояса, как будто пробирающуюся сквозь ряды стрелков, подчёркивает неожиданность, динамику и взволнованность изображения. Образы мужественных людей, охваченных героическим порывом, сочетаются здесь с обобщённым образом голландского народа. Так, групповой портрет приобретает характер своеобразной исторической картины, в которой художник стремится дать оценку современности.

Рембрандт Харменс ван Рейн. Ночной дозор. 1642 г. Рейксмузеум, Амстердам

«Ночной дозор» навлёк на Рембрандта немилость амстердамских мещан и втянул его в бесконечную распрю с гильдией. Каждый из гильдейских сановников чувствовал себя обманутым. Почему?

Всё дело в традициях!

Среди амстердамских обществ и корпораций установился обычай заказывать кому-нибудь из местных художников свой коллективный портрет. Главные члены гильдии оставляли в наследство преемникам свои изображения.

Подобного рода произведения сделались банальным местом голландской живописи. При исполнении их традиции соблюдались самым тщательным образом, и здесь не было места личной изобретательности художника. Членов корпорации располагали в ряд, глава гильдии занимал центральное место, а гильдейские сановники располагались по его сторонам. Иногда их изображали за каким-нибудь торжественным празднеством.

В 1642 году корпорация амстердамских стрелков обратилась к Рембрандту с просьбой послужить ей своим талантом. За работу ему было уплачено 1 600 флоринов.

Мастер быстро принялся за дело. Надеялись, что он подчинится твёрдо установленному обычаю и разместит членов гильдии в иерархическом порядке в каком-нибудь зале, предназначенном для празднеств или собраний. Рембрандт обманул эти ожидания. Он не мог подчиниться столь реальным условиям. И на свет появилась картина, какую мы видим теперь. Практически у всех возникают вопросы: в какое время и с какой целью, по чьему повелению, и в каком городе собрались эти люди; если это призыв к оружию, то зачем это праздничное шествие; как попала сюда эта девушка, одетая принцессой в шёлк и золото, а за поясом у неё курица; зачем эти зеркала, развешанные на колоннах??? Напрашивается ответ: эта картина могла бы послужить иллюстрацией к какой-нибудь комедии. Поэтому картина вызвала протесты патрицианского общества Голландии.

На протяжении 1640-х годов расхождения художника с патрицианским обществом нарастают. Этому способствуют тяжёлые события в его личной жизни, смерть Саскии. Приток заказов Рембрандту сокращается, в его мастерских остаются лишь наиболее преданные ученики. Но именно в это время в творчестве Рембрандта наступает пора зрелости.

Его творчество этого этапа утрачивает внешнюю эффектность и присущие ему ранее ноты мажорности. Он пишет спокойные, исполненные теплоты и интимности библейские и жанровые сцены, раскрывая тонкие оттенки человеческих переживаний, чувства душевной, родственной близости. В такой манере написаны картины например, «Давид и Ионафан», 1642 г., или «Святое семейство», 1642 г, Государственный Эрмитаж. Последняя, подкупает своей задушевностью. Простота и сдержанное волнение, глубокое смирение характерны для этой картины. Показанная в ней глубина человеческих чувств, покоряет удивительно тонким и сильным воплощением. В простых обыденных сценах, в скупых и точно найденных жестах художник раскрывает всю сложность душевной жизни, течение мыслей героев. Место действия картины «Святое семейство» он переносит в бедный крестьянский дом, где плотничает отец, а молодая мать заботливо охраняет сон младенца. Каждая вещь здесь овеяна дыханием поэзии, подчёркивает настроение тишины, покоя, умиротворения. Этому способствует мягкий свет, озаряющий лица матери и младенца, тончайшие оттенки тёплого золотистого колорита.

Колорит картин Рембрандта 1640-х годов становится более эмоциональным, нарядным и звучным. Всё большее значение, как в графике, так и в живописи Рембрандта приобретает светотеневая игра, создающая особую, драматически напряжённую, эмоциональную атмосферу: монументальный графический лист «Христос, исцеляющий больных», или так называемый «Лист в сто гульденов», около 1642 – 1646 годов; полный воздушной и световой динамики пейзаж «Три дерева», около 1643 года. Так же, картина «Христос и грешница» (1644 г.). Главные фигуры – Христос и грешница – выделены художником из полумрака тонким и приятным светом, который озаряет их.

1640-50-е знаменуют вершину карьеры Рембрандта и одновременно поворот в его судьбе, за которым последовало разорение. Это годы тяжких жизненных испытаний Великого мастера Голландии. Рембрандт отошёл от светской жизни, но, несмотря на невзгоды, его искусство продолжало развиваться, стиль становился всё более индивидуальным и оригинальным, и это позволило ему в конце жизни создать свои величайшие произведения.

Он пишет спокойные исполненные внешней теплоты и интимности библейские и жанровые сцены,

Рембрандт Харменс ван Рейн. Христос в Эммаусе. 1648 г. Музей Лувр, Париж

раскрывая тонкие оттенки человеческих переживаний, чувство душевной, родственной близости. В 1648 году им была создана картина под названием «Христос в Эммаусе» (Лувр). Дивное произведение! Обстановка сцены чрезвычайно бедна и скромна. Всё великолепие этого произведения, его глубокая проникновенность, его сверхъестественное могущество заключено в трёх фигурах: двух учеников и слуги, и в голове Христа. Никогда ещё не видела живопись такого поразительного божьего лица. Нельзя передать бесконечную человечность этого лица, эго надо просто видеть. В нём воплощена вся нежность жизни и вся грусть смерти. Его глаза с такой глубиной смотрят на страдания человечества, а его лоб кажется таким ясным среди мрака, который окутывает весь мир! Трудно сказать, как написано это лицо; кажется, что оно не существует в действительности, а только является. Безграничная любовь окружает его, и ученики почитают его. Глядя куда-то вдаль, Христос медленно разламывает хлеб, и его жест кажется символом истины, которую познают лишь впоследствии. После своего распятия и воскрешения Христос решил навестить своих учеников. Как странник он присоединился в пути в двум из них и зашёл с ними в один из местных домов, чтобы поесть. Ученики не догадывались кто с ними находится рядом. И только, когда Христос, взяв в руки хлеб, стал его разламывать, ученики этим жестом Христа увидели в нём своего учителя.

В это время Рембрандт всё чаще обращается к жанру портрета, изображая наиболее близких ему людей: многочисленные портреты второй жены Рембрандта – Хендрикье Стоффельс, его сына Титуса, в которых художник сосредотачивает внимание на раскрытии душевного мира портретируемых. Любовь и нежность к своему ребёнку, к своему сыну воплотились в картине «Титус за чтением».  Та любовь и нежность, которые он не успел дать во всём своём богатстве своему сыну, так рано умершему – Титусу. Картина была написана в 1657 году, а хранится в Венском музее истории искусства. Сколько любви, нежности и покоя в этом полотне. В портрете образ будто пронизан солнечными лучами. Титус часто служил своему отцу моделью – этот болезненный, хрупкий юноша с нежным одухотворённым лицом.

Концентрация содержания его работ достигается путём перехода от повествовательных, порой многословных сюжетов к исключительно насыщенной и сжатой интерпретации. Всё большее место в портретах Рембрандта занимает простой человек. Художника привлекают образы старых людей, прошедших долгую жизнь, полную горестей и лишений, служащих воплощением жизненной мудрости и духовного богатства. Теперь Рембрандт сосредотачивает внимание лишь на лице и руках, выхваченных из темноты мягким рассеянным светом, он не так тщательно прорисовывает одежду. Часто изображаемую фигуру окружает полумрак, что способствует передаче психологической углубленности образов. Одна из самых известных его работ так называемая «Портрет жены брата художника», написанная в 1654 году, хранится в музее изобразительных искусств в Москве им. А. С. Пушкина. Своим «Портретом старушки» гениальный голландский портретист Рембрандт вводит зрителя во внутренний мир простого, ничем не знаменитого человека и открывает в нём величие богатства доброты и человечности. Здесь художник использовал многослойную технику написания картины, в результате чего сходство оригинала с изображением на картине максимально, словно это фотография. Необычайной эмоциональности произведения способствует сочетание тёплых тонов, переливающихся тончайшими оттенками, светом, трепещущим, как будто излучаемый самим предметом. Едва уловимая мимика лица отражает сложное движение мыслей и чувств. То лёгкие и прозрачные, то пастозные мазки кисти создают переливающуюся красочными и светотеневыми оттенками поверхность картины. Наблюдая за светотеневой игрой, зритель как бы следит за постепенным развитием переживаний изображённых.

В 1656 году Рембрандт был объявлен банкротом, всё его имущество продано с аукциона. Он и его семья переселяются в еврейский квартал Амстердама, где в крайне стеснённых условиях они провели остаток жизни. Это самая трагическая пора жизни Рембрандта: он теряет своих лучших друзей, умирает Хендрикье и сын Титус. Но чем трагичнее становилась его жизнь, тем совершеннее были его работы. В середине 1650-х годов Рембрандт обрёл зрелое живописное мастерство. Стихии цвета и света, независимые и даже отчасти противоположные в ранних работах художника, теперь сливаются в единое взаимосвязанное целое. Горячая коричнево-красная, то вспыхивающая, то гаснущая трепетная масса светоносной краски усиливает эмоциональную выразительность произведений Рембрандта, как бы согревая их тёплым человеческим чувством. В последнее десятилетие творчество Рембрандта представляет синтез всех многогранных исканий художника. Созданные им в 1650-60-х годах композиции на библейские темы как бы подводят итог его размышлениям о смысле человеческой жизни. В этот период он обращается к наиболее драматическим эпизодам. Именно в этот период были созданы им самые глубокие и прекрасные произведения живописи. Особую ценность придают им высокие, благородные чувства, которые делают из будничных вещей в картинах Рембрандта поэтичную и возвышенную красоту. В картинах этого периода: большая глубина и характерность каждого из портретируемых, естественность композиции, ясной и уравновешенной, скупость и точность отбора деталей, гармония сдержанного цветового решения и вместе с тем создание цельного образа людей, объединённых общностью интересов.

В 1656 году была написана картина «Иаков, благословляющий сыновей Иосифа» (Кассельский музей). Скорбь патриарха, поза его сына, невестки и двух детей – Ефраима и Манассии, — всё создаёт глубокое впечатление покорности и нежности. Душа художника предвкушает печальную сладость конца. Исполнена картина в высшей степени просто и свободно. Нет резких тонов; лёгкие нюансы сливаются друг с другом и исчезают, подчиняясь строго выдержанному единству. А в 1659 году он пишет  картину «Борьба Иакова с ангелом», где иллюстрирует один из библейских сюжетов. И даже, не смотря на то, что на картине изображён ангел – мы чётко видим его крылья, — и нам опять кажется, что это сюжет из жизни. Для Рембрандта действительность существует постольку, поскольку он может вызвать её с помощью самой трогательной человечности и глубины, этим он приближает к нам самые далёкие страницы истории. В этом и особенность картин Рембрандта на библейские сюжеты («Евангелист Матфей и ангел», 1661 г.).

В этот период своего творчества Рембрандт обращается к наиболее драматическим эпизодам, выражающим столкновение тёмных и светлых человеческих начал («Асур, Аман и Эсфирь», 1660 г., ГМИИ; «Падение Амана», или «Давид и Урия», 1665 г., ГЭ). Эмоционально-насыщенная, тёплая гамма, гибкая пастозная манера письма, напряжённая игра тени и света, заливающая главные фигуры и погружающая остальное в воздушную мглу, сложная фактура красочной поверхности, переливающейся и мерцающей наподобие драгоценных камней, — все эти изощрённые живописные средства служат раскрытию сложных и противоречивых коллизий и душевных переживаний, утверждению торжества добра над злом. Суровым драматизмом и героикой проникнута картина Рембрандта «Заговор Юлия Цивилиса» (1661 г., сохранён фрагмент, Национальный музей Стокгольма), являющийся иносказательным прославлением восстания нидерландских провинций. Заказанная амстердамским магистратом картина не была принята заказчиками.

Холодное непонимание голландского бюргерства окружало Рембрандта в последние годы его жизни. Несмотря на постихшие художника тяжёлые жизненные беды, он с поразительным самообладанием противостоял испытаниям, продолжая творческие искания и работая над углублением мастерства. Он был не из числа тех, кто останавливается, достигнув совершенства. Голландский Мастер, словно, не хочет успокоиться, достигнув идеальных форм и безупречного колорита. В последний год жизни он приступил к созданию своего гениального монументального полотна – «Возвращение блудного сына» (1668 – 1669 гг.), воплотившего всю художественную и морально-этическую проблематику позднего Рембрандта. С поразительным мастерством воссоздаёт в ней художник целую гамму сложных и глубоких человеческих чувств. Строго отобранные художественные средства картины подчинены раскрытию её основной идеи – красоты человеческого понимания, сострадания и прощения. Кульминацией напряжённых чувств и следующий за ним момент разрешения страстей воплощены в выразительных позах, скупых и лаконичных жестах отца и упавшего на колени сына.

У одного человека было два сына. И сказал младший отцу: «Отче! Дай мне часть моего имения». И отец

Рембрандт Харменс ван Рейн. Возвращение блудного сына. 1668-1669 гг.

дал. По прошествии немногих дней младший сын, собрав всё своё имущество, пошёл в дальнюю дорогу и расточил его, живя распутно. У него не стало средств к  существованию. Он сильно голодал и испытывал нужду. У одного из местных богатых людей он устроился работать свинопасом, но ему не хватало средств, чтобы прокормить себя, и никто не хотел ему помогать. Тогда, в отчаянии он вспомнил отца своего и решил вернуться к нему, в родительский дом. Когда он только подходил к дому, отец его, едва заметив, бросился к нему на встречу. Сын же сказал ему: «Отче, я согрешил и не достоин называться твоим сыном». А отец велел своим слугам одеть сына в дорогую одежду, накормить его и устроить пир по случаю его возвращения. Он простил своего сына, ибо тот понял после долгих скитаний, что лучше дома нет места на земле, и возвратился он домой с полным раскаянием за свою безумность.

Сюжет библейской притчи о блудном сыне привлекал художника и раньше, он встречается в одном из его офортов. Но только к концу жизни пришёл Рембрандт к глубочайшему его раскрытию. В образе упавшего на колени перед отцом усталого, раскаявшегося человека выражен трагический путь познания жизни, а в образе отца, простившего блудного сына, воплощено высшее доступное человеку счастье, предел чувств, наполняющих сердце. Потрясающе просто решение этой большой по размеру композиции, где главные герои словно озарены внутренним светом, где жест рук отца, вновь обретшего сына, выражает его бесконечную доброту, а сникшая фигура странника в грязном рубище, прильнувшего к отцу, — всю силу раскаяния, трагедию раскаяния и потерь. Другие персонажи отодвинуты на второй план, в полутень, и их сострадание и задумчивость лишь ещё сильнее выделяют словно светящиеся тёплым сиянием отцовскую любовь и всепрощение, которые оставил людям, как завет, Великий голландский художник.

Последняя картина Рембрандта, написанная в 1669 году, «Эсфирь, Артаксеркс и Аман». Хранится она в Национальной галерее Бухареста. Великий голландский художник умирает вслед за созданием этой картины.

В результате. Тончайший анализ душевного мира человека дал крупнейший мастер Голландии Рембрандт – серии портретов и автопортретов, картина «Возвращение блудного сына». Сложный образ человека раскрыл художник и в групповых портретах – «Урок анатомии доктора Тюльпа», «Ночной дозор», «Старейшины суконного цеха», или так называемые «Синдики», и в картинах на мифологические сюжеты.

Таким образом, призывом к глубокой человечности завершил свой путь Великий голландский художник XVII столетия. Влияние искусства Рембрандта было громадным. Оно сказалось не только на творчество его непосредственных учеников, из которых ближе всех подошёл к пониманию учителя Карель Фабрициус, но и на искусстве каждого более или менее значительного голландского художника. Глубочайшее воздействие оказало искусство Рембрандта на развитие всего мирового реалистического искусства впоследствии.

Елена Краснова.

Реклама

Posted 21.07.2011 by Elenushka

Добавить комментарий

Заполните поля или щелкните по значку, чтобы оставить свой комментарий:

Логотип WordPress.com

Для комментария используется ваша учётная запись WordPress.com. Выход / Изменить )

Фотография Twitter

Для комментария используется ваша учётная запись Twitter. Выход / Изменить )

Фотография Facebook

Для комментария используется ваша учётная запись Facebook. Выход / Изменить )

Google+ photo

Для комментария используется ваша учётная запись Google+. Выход / Изменить )

Connecting to %s

%d такие блоггеры, как: